ARTE MODERNO
Arte moderno es
un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte (la historiografía del arte, la estética
y teoría del arte y el mercado de
arte), que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría
con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte
académico. Este representaría la tradición;
mientras que el arte moderno representaría la experimentación.
Al ser
esencialmente un concepto estético y no cronológico, cualquier delimitación
de un periodo para el "arte moderno" es problemática,
empezando por una dificultad obvia: el arte de la Edad Moderna (de mediados del
siglo XV a finales del siglo XVIII) no es lo que se entiende como "arte
moderno", mientras que sí lo es el arte de la Edad Contemporánea (desde
finales del siglo XVIII hasta la actualidad). Otra ambigüedad evidente es la
utilización de la expresión "arte moderno" en oposición a "arte
antiguo", que tampoco coincide siempre con el arte de la Edad Antigua (desde el inicio
de la historia hasta el siglo V-), especialmente en formas como "maestros antiguos" y
"maestros modernos",
siendo aquellos los del siglo XV al XVII, y estos los posteriores, épocas
convencionalmente separadas por criterios historiográficos y museológicos
Precedentes de
las ideas artísticas modernas ya pueden verse en la obra de los grandes
maestros barrocos
(Velázquez
o Rembrandt);
de autores de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX más o menos cercanos
al romanticismo
(Goya, David,
Delacroix,
Gericault,
Friedrich, Turner, William Blake);
y de autores de mediados del siglo XIX más o menos cercanos al realismo (Corot,
Millet, Courbet,
escuela de Barbizon, William
Morris). Para esas fechas empieza a ser usual la percepción del artista
moderno como un incomprendido social, ajeno a las instituciones; aunque
paradójicamente termine creando su propia institucionalidad alternativa (Salon des Refusés, 1863 -salón de los
rechazados-). Crucial fue el papel de prestigiosos intelectuales que ejercieron
de críticos de arte, como Rimbaud.
La teoría postestructuralista ha acuñado el
término "postmoderno" para designar la
imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad
y la novedad
(elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como
reinterpretaciones y resignificaciones (el denominado "giro lingüístico")10
con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto
comunicativo.
El
cuestionamiento del arte como institución era mucho más antiguo. Tal fue la
postura de Marcel Duchamp, ejemplificada en su obra Fuente
(1917), un objeto cotidiano descontextualizado y exhibido provocativamente como
obra de arte (un urinario puesto al revés). La provocación estética, que
provenía del malditismo, el dandismo y el decadentismo
del siglo XIX (que pretendían épater le bourgeois -escandalizar
al burgués-),11
pasó a ser un lugar común en el periodo de entreguerras (dadaísmo
y surrealismo),
y se prolongó a mediados de siglo XX con los happenings,
el teatro del absurdo y otras provocaciones
estéticas del entorno cultural existencialista,
los beatniks
y posteriormente la psicodelia y el pop art. La imposibilidad de seguir manteniendo una separación
ficticia entre el arte y el resto de los productos quedó evidenciada en la obra
de artistas como Robert Rauschemberg y Andy Warhol,
que explícitamente la identificaban con los demás productos de consumo de masas; la expresión
teórica se produjo en los escritos de Rosalind
Krauss y la escuela postestructuralista, o de críticos como Giulio Carlo Argan (que acuñó el concepto de la
muerte del arte).
A finales del
siglo XX, en el contexto intelectual del "giro lingüístico" y el
debate entre modernidad y postmodernidad, se comenzó a divulgar en el mundo del
arte la etiqueta "postmoderno" (arte
postmoderno, arquitectura postmoderna, pintura postmoderna, escultura postmoderna). Se
proclamaba la crisis de las vanguardias,12
e incluso los géneros o artes tradicionales (pintura, escultura) dejaron de ser
el vehículo principal de expresión artística para quienes buscaban medios más
innovadores, en beneficio de "instalaciones artísticas", "intervenciones", o del uso de nuevas
tecnologías que permiten experimentar creaciones "multimedia"
(videoarte,
arte digital,
media art,
etc.)
El periodo que
va desde la segunda guerra mundial hasta mediados de los años setenta del siglo
XX es el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años,
multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron
sucediendo vertiginosamente. La mayoría de esas manifestaciones artísticas
tienen un carácter internacional, aunque en algunos se dan diferencias
significativas de forma local.
La postura
innovadora de los artistas de este periodo produjo una apertura de las
delimitaciones o fronteras del ámbito artístico que condujo a la desaparición
de los rasgos inherentes a lo propiamente artístico.
El arte
moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se
representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el
fin de satisfacer cierta concepción poética de las cosas.
El sacrificio
de la razón, este irracionalismo es lo que el arte moderno ha hecho valer por
encima de las normas tradicionales.
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Se define por
tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No obstante,
podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que
está presente en todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que
no puede considerarse como algo característico peculiar del arte moderno………………………………………………………………………………………….
Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el arte por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.
Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento.
En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivista.
Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el arte por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.
Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento.
En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivista.
Esto significa
que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no
como un defecto interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte
moderno su carácter profundamente revolucionario e impopular.
De acuerdo con
esta concepción, las representaciones de los místicos tanto como las de los
locos adquieren validez objetiva, se refieren a la misma realidad que las
representaciones de los laicos y de los cuerdos; en otras palabras, considera
que la falta de significación, o sea la irracionalidad es una cualidad
esencial y natural de la realidad que confronta a nuestro entendimiento.
Las primeras
obras del arte moderno se corresponden a los movimientos romántico y
realista. Más tarde, se empezó a jugar con la luz y el espacio, a través de
la pintura y el color, lo que dió lugar al impresionismo y posimpresionismo.
Unos años
antes de la Primera Guerra Mundial, se desarrollaron los movimientos del cubismo,
el fauvismo, el expresionismo y el futurismo. Más tarde vino el surrealismo.
A partir de los años 50 y 60 fueron areciendo otras formas de
expresión del arte moderno como el expresionismo abstracto, el pop-art y el minimalismo.
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_moderno
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